Un matin, Marie Perennès, metteuse en scène, découvre au pied de son domicile parisien des feuilles blanches collées pendant la nuit qui affichent des messages écrits à la peinture noire. C’est l’œuvre d’un collectif de femmes qui dénonce les violences sexistes et les féminicides.

Fidèle aux habitudes de la génération actuelle des trentenaires, Marie Perennès, poste alors le collage sur Instagram en identifiant le collectif parisien.

La voilà invitée en retour, à une session de collage. Elle va alors rejoindre le collectif pour des collages nocturnes et nouer des contacts avec plusieurs colleuses parisiennes puis par la suite avec d’autres collectifs en France.

Le sujet des violences sexistes et des féminicides anime profondément Marie Perennès et elle décide avec son conjoint, Simon Depardon de donner la parole à ces femmes pour écouter ce qu’elles ont à dire et surtout pour garder une trace de leurs actions éphémères.

Au fil des repérages, la petite équipe technique composée de 4 personnes, va progressivement tisser la complicité et la confiance nécessaires pour permettre aux différents collectifs de partager intimité et quotidien.

Ils vont choisir délibérément de filmer en plans fixes avec plusieurs caméras sur trépied afin de filmer sur des temps longs, et réserver les caméras à l’épaule aux scènes de manifestations.

Pas d’interview directe face caméra non plus, afin de faire oublier la caméra le plus possible.

Simon Depardon en charge de la dimension technique et de l’équipe dira : « On cherchait la bonne distance, ne pas trop s’approcher pour ne pas venir perturber la situation et en même temps arriver à être au plus près de la scène ». Vous observerez sans doute, comment cette juste distance permet de recueillir des propos puissants de vérité qui submergeront les protagonistes.

Au fond, l’idée de nos jeunes réalisateurs est de nous montrer la réalité pour forger notre propre regard sur cette nouvelle forme de féminisme militant qui délivre un message politique engagé. Quoiqu’il en soit, avec ou sans réalisateur pour le montrer, cette action existe et se déroule dans l’hexagone.

Au total, Simon Depardon et Marie Perennès ont suivi une dizaine de collectifs et ont choisi d’éliminer au montage les rushes sur le port du voile, la pornographie ou encore l’écoféminisme pour se concentrer sur la réappropriation de l’espace public et les violences faites aux femmes.

Le sens profond de ces collages nocturnes est de rappeler que la rue n’appartient pas qu’aux hommes cis blancs. Les femmes ont pleinement le droit d’être là d’autant que 100% d’entre elles, 100% de nous Mesdames, ont de façon tout à fait banalisée déjà été harcelées dans la rue.

Ces femmes militantes prennent la parole sur une thématique que personne n’a envie d’entendre et qui est pourtant bien réelle. Il suffit d’allumer son poste de radio ou de télévision pour s’en rendre compte.

Dans ces collectifs, les personnes sont majoritairement assez jeunes, entre 18 et 25 ans. Ce sont surtout des femmes, mais aussi des personnes de minorités de genre, des personnes trans ou non binaires. Tout le monde y est accepté, de l’étudiant à la cadre supérieure, dans un fonctionnement horizontal sans cheffe.

C’est sans doute la première fois que le mot féministe est dans le titre d’un film français en sélection au festival de Cannes.

En voix, off vous entendrez la voix de Marina Foïs.

Riposte féministe est réalisé en parité et l’équipe en est principalement féminine.

Dès la sortie de ce documentaire, nos jeunes réalisateurs ont souhaité partir à la rencontre du public et des associations pour débattre et échanger partout en France.

Comme vous l’avez compris les fées se sont sérieusement penchées sur le berceau de l’un d’eux (je vous laisse deviner lequel …) avec une mère féministe de la première heure et première femme française ingénieur du son et un père monstre sacré de la photographie et du documentaire !

Avant de débuter la projection, quelques précisions langagières s’imposent :

Les militantes se désignent en terme de « colleur-euse » c’est à dire colleur et colleuse accolés ;

Le mot « iel » i-e-l est employé pour désigner une personne de façon non binaire c’est à dire en dehors des notions de féminin ou de masculin;

Enfin, le mot « cisgenre » par opposition au mot « transgenre » désigne les personnes dont le genre correspond au genre déclaré à leur naissance.

Et maintenant la parole est à Élise à Brest, Alexia à Saint-Etienne, Cécile à Compiègne ou Jill à Marseille et à bien d’autres encore.

Doris Orlut

Philippe Lioret s’est fait connaître dans le monde du cinéma en tant qu’ingénieur du son dans les années 80. IL a réalisé son 1^er long métrage en 1993, c’était Tombés du ciel, avec Jean Rochefort. En tant que réalisateur, on le connaît surtout pour ses films sensibles dans lesquels il imbrique des sujets de société contemporains et des problématiques personnelles fortes, je pense notamment à je vais bien, ne t’en, fais pas en 2006, Welcome, avec Vincent Lindon en 2009 et Toutes nos envies l’année suivante.

Le mythe de Roméo et Juliette est un des exemples types de cette imbrication entre le personnel et le collectif, l’individu et la société. Le film de ce soir en est une réécriture contemporaine, en effet les 2 personnages principaux sont 2 lycéens qui appartiennent à 2 familles, non pas rivales au départ, mais amenées à s’affronter pour des raisons sociales.

Cette adaptation de la pièce de Shakespeare, Lioret l’avait en tête de puis longtemps, mais il la trouvait tellement évidente qu’il était sûr que quelqu’un se lancerait dans le projet avant lui.

Il a choisi de faire de ces 2 personnages des lycéens, car le lycée est, à ses yeux, un cadre qui gomme les différences sociales.

Sur le plan technique, afin de créer une proximité entre le spectateur et les acteurs, il a choisi, avec son chef op d’utiliser des caméras très petites afin de tourner dans des décors petits, plus intimistes, et de se faire oublier des 2 acteurs principaux, qui jouent pour la 1^ère fois au cinéma et que je vous laisse découvrir dès maintenant.

Guillaume RENUSSON est né au Mans en 1991, dans une famille très cinéphile. A 12 ans, il filme son petit frère Alexandre sur son smartphone et obtient au Mobile Film Festival le prix du meilleur Court Métrage tourné en une minute sur téléphone mobile. Par la suite, Il étudie les Lettres et le Droit puis intéressé par la chose politique, il part à Rennes faire Sciences Po. C’est à Rennes qu’il rencontre et se lie avec un groupe de réfugiés de l’Angola qui lui font découvrir le monde terrible de la migration et l’exil, et leurs propos marqueront durablement l’esprit du jeune homme. Puis à Paris, il passe un master d’écriture audiovisuelle

Sportif, il fait beaucoup de montagne dans le Val d’Aoste, dans les Alpes franco-italiennes où sa famille à un chalet.

Revenu dans sa ville natale, il décide avec un groupe d’amis et de professionnels de créer au Mans la CITE DU FILM, espace collaboratif dédié au cinéma et à l’audiovisuel, offrant locaux et équipement aux futurs producteurs et cinéastes. Et c’est dans cette cité du Film qu’il réalise «  Les Survivants » son premier long métrage, inspiré à la fois par son goût pour la Montagne et la Politique et sa prise de conscience de l’émigration.

Dans le rôle de Samuel, le mari endeuillé, vous allez retrouver Denis Ménochet, aussi excellent dans les Survivants que dans Inglorious Bastards, Grâce à Dieu, As Bestas ou Jusqu’à la garde. Ménochet nous précise qu’il ne faut surtout pas le prendre pour un acteur, il EST chacun de ses personnages, dans une réelle complicité avec les réalisateurs que ce soient Tarantino, François Ozon ou Sorogoyen.

Quant à Zahra Amir Ebrahimi, vous l’avez peut être dejà découverte dans « les nuits de Marhhad » prix d’interprétation féminine à Cannes 2022. Elle est née en Iran en 1981. Elle fait du théâtre et du cinéma à Téhéran, jusqu’à ce qu’un fiancé éconduit publie sur les réseaux sociaux des images libertines de leur couple. Menacée de prison et de 100 coups de fouet, elle s’enfuit à Paris où, polyglotte, elle tourne avec toutes sortes de réalisateurs européens ou orientaux, jusqu’à sa rencontre avec Guillaume Renusson qui lui confie de rôle de la réfugiée afghane. Le « fiancé », lui, a été condamné à 2 mois de prison … qu’il n’a pas fait.

Les Survivants, c’est un western contemporain, engagé, inscrit dans l’actualité, tourné dans la neige et le froid, et perturbé par le Covid qui a arrêté le tournage pendant 10 mois, plus deux mois à attendre que la neige retombe au niveau qu’elle avait lors des séquences tournées avant Covid… Et je voudrais que vous ayez une pensée pour les techniciens, eux aussi frigorifiés, et qui ont réussi à faire disparaitre leurs innombrables traces de pas autour des acteurs dans une neige qui devait être inviolée…

Marion MAGNARD

The Fabelmans, Steven Spielberg

Avant-première dans le cadre du festival télérama

Si le dernier film de Spielberg était un remake, celui de West Side Story, celui que nous allons voir ce soir est beaucoup plus personnel. On peut même dire qu’il s’inscrit dans une série d’œuvres autobiographiques dans lesquelles de grands réalisateurs reviennent sur leur enfance ou leur adolescence: je pense notamment à Belfast, de K Brannagh et Armageddon time  de J Gray, mais aussi à Roma de Cuaron ou encore Licoricce pizza, de Paul Thomas Anderson, actuellement rediffusé ici dans le cadre du Festival Télérama.

L’œuvre de Spielberg est abondante et souvent tournée vers le film d’action (Les dents de la mer, les Indiana Jones, Jurassik Park) de SF (Rencontres du 3^ème type, ET, AI, Minority report, La guerre des mondes, RPO) ou encore historique (La Liste de Schindler, Il faut sauver le soldat Ryan, Munich, Lincoln), donc des genres a priori éloignés de l’autobiographie. Pourtant tous ces films développent des thématiques qui sont en lien étroit avec la biographie de Spielberg, si bien que chez lui, même les plus gros blockbusters sont des œuvres personnelles.

Quelques exemples : le réalisateur reste marqué par son enfance : petit et jusqu’à l’adolescence, il était un enfant à part, mal intégré à cause de sa laideur et de sa maladresse physique, et il ne réussira à se faire accepter des autres que lorsqu’il commencera à tourner des films. Or de nombreux films de Spielberg mettent en scène des enfants ou adolescents plus ou moins inadaptés, par ex dans AI, ET, La guerre des mondes, RPO.

Autre thème récurrent : les difficultés liées au couple parental (ses parents se sont séparés lorsqu’il était adolescent) et notamment la figure du père absent, looser ou encore inflexible comme le père d’Indianan Jones interprété par S Connery.)

On peut ajouter le thème de la fascination pour la Tv et le cinéma (beaucoup de ses films comportent des séquences dans lesquelles des personnages regardent la TV), celui du déracinement, du judaïsme .

Nul doute que nous retrouverons ces thèmes dans le film de ce soir, même si son Le caractère autobiographique n’est pas totalement revendiqué puisque le personnage principal s’appelle Sammy Fabelman.

Je vous laisse découvrir ce film et le savourer d’autant plus que certains critiques pensent que ce film pourrait être l’adieu au cinéma du réalisateur. Et petite devinette pour finir: reconnaitrez-vous un autre réalisateur américain qui joue dans ce film ?

Avez-vous une idée du nombre de films dans lesquels a joué Roschdy Zem le réalisateur du film de ce soir ? Eh bien avec plus de soixante-dix films, il est impossible de citer tous les cinéastes dont il a enrichi le casting et la liste des récompenses récoltées est longue.

Sachant qu’il a véritablement commencé sa carrière au cinéma vers 28 ans et qu’aujourd’hui il en a 57, cela peut donner le vertige.

Roschdy Zem est surtout connu pour ses rôles de flics ou de délinquants sombres et mutiques. Pour autant il interprète une large palette de rôles tant dans le cinéma social que les comédies populaires ou encore les drames psychologiques.

Depuis 2006, cet artiste hyperactif est aussi passé derrière la caméra et Les Miens est son sixième long métrage.

Jeune, il ne pense pas particulièrement à faire carrière dans le cinéma. Il vit à Drancy en banlieue parisienne avec ses parents et ses cinq frères et sœur. Il interrompt ses études en classe de première et devient vendeur au marché aux Puces de la Porte de Clignancourt. Le marché est ouvert en fin de semaine, le reste du temps il est libre. A 20 ans, il découvre le théâtre et monte sur les planches pour un petit rôle dans L’indien cherche le Bronx. Le déclic opère et, parallèlement à son métier de vendeur, il commence à passer des auditions.

En 1987, il débute au cinéma en décrochant une apparition dans le film de Josiane Balasko, Les Keufs. Quatre ans plus tard, André Téchiné le fait jouer dans J’embrasse pas et le réengage pour Ma saison préférée (1993). Sa carrière est définitivement lancée après deux interprétations remarquées : un toxicomane dans N’oublie pas que tu vas mourir de Xavier Beauvois et un veilleur de nuit dans le premier film de Laetitia Masson En avoir ou pas.

Son acteur de référence à l’époque est Patrick Dewaere dont il dit « Je me rappelle sa voix (…), comment il jouait, on avait l’impression qu’il ne jouait pas. »

L’histoire du film de ce soir est inspirée du traumatisme crânien dont a été victime son jeune frère Mustapha au décours duquel il a perdu la mémoire et toute capacité d’inhibition. D’une personne affable douce et généreuse, son frère est devenu agressif, violent et sans aucun filtre social. Vous pouvez imaginer le bouleversement familial que cela a engendré. Alors est ce un handicap ou une liberté ? Je vous laisse réfléchir.

Le scénario a été écrit alors que son frère est convalescent, au moment où l’impact de l’accident était encore très fort. Connaissant la rapidité d’écriture de Maïwenn Le Besco et surtout sa capacité à aller à l’essentiel pour éclairer la vérité, Roschdy Zem l’a sollicitée pour l’écriture. Pendant quatre semaines ils ont collaboré en construisant des fiches parcours pour les personnages qu’ils ont alors données aux acteurs comme base d’interprétation, chaque acteur connaissant la fiche de l’autre. Cela a permis aux acteurs de s’imprégner du rôle et d’improviser librement. Roschdy Zem a également majoré l’impression de vie qui émane du scénario en utilisant pour la mise en scène deux caméras en même temps ce qui fait qu’il n’y a jamais de hors champ. Les caméras sont placées souvent sur l’épaule du caméraman, qui filme en plan séquence. La création de cette illusion de vérité va permettre de faire naître l’émotion et chacun pourra s’identifier dans la vision de cet archétype familial où ça swingue, ça râle, ça pleure, ça rit, ça s’écharpe et ça se réconcilie (ou pas), comme dans (presque) toutes les familles nombreuses mises en tension et déséquilibrées par un drame imprévu.

Beaucoup de scènes sont le verbatim de scènes vécues. Et au delà du traumatisme causé par l’accident de son frère, Roschdy Zem va montrer à l’écran sa propre famille qu’il joue d’ailleurs avec sa famille de cinéma. Comme beaucoup de gens célèbres et très occupés, il a sans doute sacrifié les siens à son métier et il fait au travers de ce film son mea culpa mais aussi il offre un formidable cadeau de cinéma à ses proches. On retrouve à l’écran, Nina sa propre fille, qui joue le rôle de sa nièce et son fils Chad qui fait une apparition au repas final.

En parallèle au film son frère Mustapha a publié un premier roman en octobre Les pas Perdus où il revient sur l’épopée intime de son traumatisme et plus largement sur son parcours de vie après avoir totalement récupéré.

Bon film !

Doris Orlut

Avant de vous parler du film du réalisateur polonais Jerzy Skolimowski, il me faut vérifier vos connaissances.

Je ne sais pas si vous avez rencontré un âne polonais. Quand un âne polonais veut s’exprimer, il ne braie pas Hi Han comme son collègue français, mais E O. Mais ce n’est pas très grave, vous comprendrez quand même car le film est sous-titré.

Ensuite, j’ignore si vous avez lu « Voyage avec un âne dans les Cévennes », de Robert Louis Stevenson, paru en 1879. Dans ce livre, Stevenson nous raconte sa marche dans les Cévennes accompagné d’une ânesse qui porte son bagage. S’il y a une certaine analogie entre le livre et notre film, il y a une différence essentielle : dans le film, le personnage principal, c’est l’âne, pas l’homme..

Et avez-vous vu le film « Au hasard Balthazar » de Robert Bresson, sorti en 1966 ? Ce film a très fortement marqué Skolimowski qui a tenu à tourner sa propre version de cette histoire qui l’avait profondément ému. Même thème donc, mais les points de vue des deux réalisateurs sont tout à fait différents : à la philosophie humaniste, janséniste et mélancolique de Bresson s’oppose la rage amère et …je dirais même punkie du réalisateur polonais, qui à 84 ans est d’une modernité époustouflante.

Jerzy SKOLIMOWSKI est né à Loödz, en Pologne en 1938. Il sera marqué par la guerre, mêlé à la résistance malgré son jeune âge du fait de ses parents très engagés contre l’occupant. Son père est mort en déportation et sa mère a continué la lutte. Il garde le souvenir d’une fouille dans sa chambre alors que sa mère avait caché des documents dans le matelas de son fils…

Ami dès le collège avec Vaclav Havel, il sera ensuite artiste peintre, acteur puis cinéaste. Et il deviendra l’un des plus grands noms du nouveau cinéma Polonais avec WAJDA, ZULAWSKI, KIESLOWSKI, et Roman POLANSKI. Ses films, (je citerai notamment « Travail au noir » ou « Le cri du sorcier »)  ont été régulièrement présentés au Festival de Cannes, où il a été membre du Jury. Il y a d’ailleurs obtenu plusieurs fois le grand prix du Jury, et cette année encore pour le film de ce soir.

Dans « EO », JERZY SKOLIMOWSKI embarque son public dans une expérience sensorielle audacieuse, un road movie hors du commun filmé à hauteur des yeux de l’âne. On se souvient qu’il a été peintre car les séquences sont autant de tableaux à couper le souffle. Et le film est baigné par les musiques puissantes de Pawel Mykietyn …et de Beethoven.

Coté casting, l’âne mérite un prix d’interprétation et Isabelle Huppert engagée sans doute pour enrichir la distribution, a été jugée par certains comme « crapahutée de nulle part ».

« EO », allègorie terrible de nos massacres ordinaires, nous conjure de prendre notre vraie place, celle d’un être vivant parmi d’autres, dans le respect de tous.

Et si je puis me permettre de citer l’article de Lydie Pinon dans la Voix de l’Ain sur EO, le coup de coeur de Sylvie Jaillet, on peut dire que SKOLIMOWSKI a su merveilleusement « filmer l’errance d’un âne en peine ».

Marion Magnard

Avec Armageddon time, le réalisateur James Gray revient à New York pour un récit autobiographique. Il nous plonge dans les années 80 dans l’univers qui l’a amené à devenir artiste, animé par un désir profond d’émancipation intellectuelle et de justice.

James Gray confronte en toile de fond, le mythe du rêve américain, construit sur l’illusion d’une société sans classe et la réalité éprouvante et oppressante des privilèges de classe, du racisme et des inégalités sociales.

C’est l’époque de l’élection de Ronald Reagan et de l’hégémonie du promoteur immobilier Fred Trump sur le quartier newyorkais du Queens. On découvre d’ailleurs à l’écran Fred Trump, le père de Donald et sa fille Maryane qui siègent au conseil d’administration du lycée privé où les parents de James Gray l’ont inscrit.

Le réalisateur raconte qu’à cette époque sa mère dans la vraie vie, ne cessait de répéter qu’il y allait avoir une guerre nucléaire et qu’enfant il avait eu alors le sentiment que l’apocalypse était imminente. Armageddon time – Apocalypse, vous me suivez ?

Dans la continuité de son œuvre, on retrouve les thèmes forts que sont le déterminisme familial et social, le choix de la liberté et le rapport au père.

Parmi ses fidèles collaborateurs au cinéma, on retrouve Christopher Spelman pour la musique. Christopher Spelman propose une création originale avec des notes de guitare délicates et épurées qui évoquent la candeur de l’enfance. Il agrémente le récit de titres préexistants éclectiques alliant samba brésilienne, air pop italien, disco, musique punk, rap et musique classiques. Vous reconnaitrez le reggae « Armagideon time » interprétée par The Clash.

Je citerai aussi Madeline Weeks, la cheffe costumière, dont c’est la première collaboration avec le réalisateur. Madeline Weeks s’est inspirée des albums photos familiaux et des tenues d’époque ressorties par le père de James Gray en personne. Autre anecdote, le chapeau que porte Anthony Hopkins, le grand-père emblématique du film est le véritable chapeau du grand-père maternel de James Gray.

On retrouve également Darius Khondji, à la direction de la photographie. Darius Khondji s’est attaché à traduire la notion du temps passé et l’évocation des souvenirs. Vous pourrez remarquer la couleur qui évolue peu à peu vers une tonalité sépia, l’utilisation de flous ou encore les travellings à la fin du film. Vous remarquerez également l’utilisation de la lumière dont la source est toujours placée loin des acteurs.

Pour recréer l’aspect des films tournés en 1980, James Gray et son chef opérateur ont eu recours à un simulacre : ils ont tourné avec une caméra Arri Alexa 65 puis ont ensuite transféré les images numériques sur une pellicule photochimique pour les repasser ensuite en numérique.

Je ne vous dirais rien sur les acteurs.

Anne Hataway dans le rôle d’Esther la mère; Jeremy Strong dans le rôle d’Irving le père; Banks Repeta dans le rôle de Paul, l’alter ego de James Gray; Anthony Hopkins dans le rôle d’Aaron le grand-pèreet Jaylin Weeb dans le rôle de Johnny, l’ami d’enfance.

Je vous laisse plonger au cœur du Queens, vaste quartier multiethnique de New York et plus exactement à Flushing, le vrai quartier chinois de la ville où l’on trouve à déguster une délicieuse street food asiatique. Vous comprendrez bientôt pourquoi ce détail a son importance.

Bon film à tous !

Présentation de Doris Orlut