Les Intranquilles, de Joachim Lafosse

LES INTRANQUILLES   de JOACHIM LAFOSSE  – Présentation de Marion Magnard –  11/11/21 –

Joachim Lafosse est né en  Belgique en 1975. Son père,  photographe professionnel,  s’ennuie en faisant des photos pour les mariages et les cartes d’identité et comme il a beaucoup d’amis peintres, il se  spécialise dans les reproductions de tableaux . Malheureusement, ce père  est atteint d’une forme sévèe de bipolarité. Aussi l’enfance de Joachim est elle  d’une part entourée d’amis  peintres et de peintures, mais d’autre part  perturbée par les alternances d’euphorie excessive et de violence incontrôlée de son père, suivies d’hospitalisations dont il sort assommé par les médicaments. L’insécurité qui en résulte pèse lourdement sur le malade, sa femme et son fils, d’où le pluriel du titre «  les intranquilles « .

Joachim étudie le cinéma à l’Institut des Arts de Diffusion, et son film de fin d’étude, « Tribu », reçoit le prix  du meilleur court métrage au Festival de Namur, ce qui lance sa carrière de cinéaste.

Joachim nous explique, que marqué dès son enfance par la bipolarité de son père, il a toujours cherché à connaitre  « ce qui se passe quand quelque chose flanche, et comment ça arrive ».Et vous retrouvez cette recherche  dans sa filmographie :  le drame familial de « Nue-propriété »,  , les adoptions contestées dans « l’arche de Zoé », le partage de la maison après divorce dans « l’économie du Couple », et l’histire vraie dans « à perdre la raison » avec une jeune mère qui ne  trouve pas d’autre solution pour résoudre ses problèmes que de tuer ses quatre enfants.

Mais son  film le plus proche de lui, c’est celui que vous allez découvrir. Et il a voulu que  la musique du film ne soit  composée que de titres  qu’il  aime  particulièrement : piano et cordes de « Réminiscences » de Olafur Arnalds,  danses sur des compositions d’Antoine Bodson, et ses chansons préférées, « les idées noires » de Bernard Lavilliers,  « Mes amours » de Jean Ferrat…

Le scénario est inspiré de l’autobiographie « L’intranquille » du peintre  bipolaire Gérard Garouste, ami de Joachim, et de sa propre histoire familiale. Mais il n’a pu s’attaquer à la réalisation qu’après plusieurs années de maturation et d’analyses, pour être enfin capable d’arriver à une version qui prenne  soin  de chacun des  points de vue des trois membres de la famille. Et il a voulu faire, non un film sur la bipolarité  mais une déclaration d’amour à son père, qui a géré le mieux qu’il a  pu une vie difficile.

Le film a été tourné en pleine pandémie. Tous les techniciens, y compris le réalisateur, étaient masqués. Ils avaient l’impression d’être des entomologistes à l’observation d’un autre monde, celui des acteurs visage découvert, une autre race….

Joachim  a été littéralement séduit par ses deux  acteurs, qui eux même ont tellement investi  leur rôle qu’ils ont demandé au réalisateur de leur laisser leurs vrais prénoms dans le film.

Damien Bonnard, né à Tournus en 1978, a fait les beaux arts avant d’être acteur. Les tableaux du film sont l’œuvre du  peintre Pier RAEMDONCK, ami du réalisateur du film, mais certains ont été peints  par  l’acteur. Scrupuleux, il a travaillé son rôle avec des psychiatres. Et il   n’est pas un inconnu pour vous, vous l’avez vu notamment dans « Rester vertical »,  il était le soldat  français dans « Dunkerque », et  un des deux policiers  dans « les Misérables ».

Leila BEKHTI, née à Issy les Moulineaux en 1984, joue au théatre et au cinéma, (« tout ce qui brille », « le grand bain », la série « La flamme »…). Elle a fait trois enfants en 5 ans, pendant lesquels, dit elle, « je me suis lâchée, je suis très goumande  et j’ai pris 27 kilos ». Elle venait d’accoucher du troisième,  quand Lafosse  lui a proposé le rôle de la mère, dans lequel elle est parfaite.

Gabriel METZ CHAMMAH, le petit fils d’Isabelle Huppert, joue l’enfant. Lafosse nous raconte : « je ne sais pas diriger les acteurs enfants, mais Damien et Leila se sont sentis  immédiatement en empathie avec lui et ont été les interprètes entre nous. Et je ne savais pas comment terminer mon film, alors  je leur ai laissé  décider du dernier mot » du film que vous allez maintenant découvrir.

Le 25 novembre 2021, venez découvrir la réalisation de l’atelier vidéo

Dans le cadre de la fête de la science, l’association Toiles Émoi en partenariat avec la MJC, a permis à des adolescents et adultes de découvrir la prise de vues et le montage vidéo sur le thème de l’eau. L’atelier s’est déroulé le 9 octobre 2021, il a réuni 8 stagiaires.

La projection du film (court métrage) réalisé ce jour là, aura lieu le jeudi 25 novembre 2021 à 20h15.

Prise de vue acrobatique supervisée.

 

Le sommet des Dieux, de Patrick Imbert.

Le sommet des Dieux, de Patrick Imbert

Vous avez sans doute entendu dire que le film de ce soir a été tiré d’un manga de Taniguchi, mais avant d’être un manga, Le Sommet des Dieux a été publié en feuilleton par l’écrivain japonais Baku Yumemakura. Ce récit n’a jamais été traduit mais a marqué les Japonais et inspiré Taniguchi, qui l’a adapté dans en 5 tomes entre 2000 et 2003. Cette oeuvre a été un gros succès et a reçu le prix du meilleur dessin à Angoulême en 2005. Après sa lecture, le producteur et scénariste français Jean Charles Ostorero a immédiatement envie d’en faire un film, mais comme il s’agissait d’une œuvre fleuve de 1500 pages, l’entreprise n’était pas simple et le projet a dû mûrir. Une équipe s’est alors constituée autour du projet, mais on voit que le réalisateur Patrick Imbert, n’en est pas à l’origine. Il a fallu ensuite 4 ans de travail sur le scénario pour décider ce qui serait gardé (notamment la quête et l’enquête du personnage principal et les aller-retours entre passé et présent), et ce qui serait abandonné (les intrigues secondaires). Par ailleurs, l’équipe s’est mise d’accord sur un parti-pris réaliste. Le scénario et des dessins préparatoires ont pu être montrés à Tanigushi peu avant sa mort en 2019, et celui-ci les a validés, heureux que sa propre adaptation soit adaptée à son tour.

Il ne s’agit d’ailleurs pas du 1er film français adapté d’un manga de Taniguchi puisqu’en 2010, Sam Gabarski avait adapté Quartier lointain, le récit du retour d’un homme vers son passé. Ce film était en prises de vues réelles et certaines scènes avaient été tournées dans la région, peut-être même connaissez-vous des jeunes qui ont servi de figurants. .

Dans ce film, 3 personnages : le journaliste, l’alpiniste et l’Everest. Il s’agit en effet du 1er véritable film d’animation de montagne. À la question d’un journaliste du New York Times qui lui demandait pourquoi il s’entêtait à vouloir gravir l’Everest, Mallory avait répondu pour la postérité « parce qu’il est là ». Patrick Imbert et son équipe ont travaillé à restituer, par-delà le récit d’aventure et les vues incroyables sur l’Himalaya, ce qui faisait grimper les héros, ce qui les poussait à s’élever physiquement et spirituellement. «Il fallait rendre compréhensible le questionnement de Habu et Fukamachi pendant la montée. Finalement, c’est proche de la démarche artistique. Toutes choses égales par ailleurs, quand on me demande pourquoi je dessine, je ne sais pas répondre autre chose que “parce que, ce que j’aime, c’est dessiner”. Comme nos deux héros, il y a aussi un grand sentiment de solitude quand on crée. »

Dans les films d’animation, le son est entièrement créé en post production, il y a des équipes spécialisées pour les bruitages d’intérieur, d’autres pour les ambiances d’extérieur, d’autres pour les voix ; et c’est le son qui donne vie au dessin, qui lui donne son réalisme et sa vérité. Vous pourrez donc être particulièrement attentifs aux voix qui s’essoufflent quand l’air se raréfie, aux craquements de la neige, aux sons de la nature. Quant à la musique, elle a été composée par Amine Bouhafa, jeune compositeur franco-tunisien dont vous avez pu entendre d’autres b.o. dans notre programmation : il a reçu un César pour Timbuktu, a fait la b.o. d’Amin de Philippe Faucon, de Gagarine plus récemment.

Enfin une petite mention spéciale pour notre région pour terminer: L’assistanat animation, la mise en couleur et tout le compositing (étape finale qui consiste à superposer les différentes couches : décor, personnages…) ont été réalisés par Les Astronautes, studio d’animation situé à Bourg-lès-Valence (Drôme), pôle où est également installée la production Julianne Films.

Marcher sur l’eau, d’Aïssa Maïga

Aïssa Maïga est née en 1975 au Sénégal et vit en France depuis ses 4 ans. Elle a reçu une éducation multiculturelle entre catholicisme, islam et laïcité mais aussi entre des origines africaines et vietnamiennes.

 Le public français a pu la découvrir comme actrice dans des 2nds rôles dans Les Poupées russes de Klapisch, Caché de Haneke ou encore Je vais bien, ne t’en fais pas de Lioret. Elle est nominée pour le César du meilleur espoir féminin en 2006 grâce à son rôle dans Bamako. Depuis, elle a tenu des premiers rôles par exemple dans Il a déjà tes yeux.

On peut dire d’elle que c’est une artiste engagée puisqu’elle fait partie de plusieurs ONG mais aussi pour sa défense de la diversité au cinéma. En effet, lorsqu’elle débutait, quand elle se présentait dans des castings , elle s’est souvent entendu dire « on cherche une comédienne de 20 ans, pas une noire ». Ce combat s’incarne dans un documentaire qu’elle co-réalise pour la tv, intitulé  Regard noir.

Parallèlement à ce projet, elle réalise Marcher sur l’eau, premier long métrage qu’elle réalise seule, à la demande d’un producteur qui lui propose cette histoire d’une communauté villageoise se battant pour l’accès à l’eau. Ce sujet lui a aussitôt rappelé des souvenirs de ses vacances d’enfant chez sa grand-mère au Mali : l’eau bue dans les jarres posées le long des murs, le moment de la toilette dans le fleuve Niger. Elle a alors pris conscience du fait que la question de l’eau était cruciale et l’écriture du film a ensuite coulé très naturellement. C’est elle qui a choisi de tourner au Niger alors que plusieurs possibilités se présentaient à elle. Elle s’est rapprochée de l’ONG Amman Imman (« l’eau c’est la vie ») qui soutenait le projet de forage.

Il s’agit d’un documentaire écrit, il suit un projet réel en s’attachant plus particulièrement à des personnages qu’elle a dirigés au fil des saisons (elle venait tourner tous les 3 mois), en parvenant parfois à saisir des scènes sur le vif  et d’autres fois en les reconstituant .

Ce film nous a paru particulièrement approprié pour illustrer de manière concrète le problème de l’accès à l’eau tel qu’il se pose encore aujourd’hui pour une grande partie de l’humanité, et notamment en Afrique. Quelques chiffres pour mémoire :

  • 50% : À l’échelle de la planète, c’est en Afrique que se trouvent la moitié des personnes qui boivent une eau provenant de sources non protégées.

  • 24 et 28% : En Afrique subsaharienne, seulement 24% de la population a accès à une source sûre d’eau potable et les installations sanitaires de base – non partagées avec d’autres foyers – sont réservées à 28% de la population.
  • 30 minutes : temps consacré quotidiennement par les filles pour la collecte de l’eau, au détriment de leur éducation notamment

cf dossier de presse du film:

 

La nuée de Just Philipot

 

1er long métrage de ce réalisateur français de 39 ans.

Dans un de ses précédents courts métrage, Acide, récompensé par de nombreux prix, il avait abordé le thème d’une famille aux prises avec le dérèglement climatique. Famille et catastrophe sont des ingrédients qui se mélangent bien. On se souvient récemment de Grave de Julia Ducourneau.

Le pitch du film

Difficile pour Virginie de concilier sa vie d’agricultrice avec celle de mère célibataire. Pour sauver sa ferme de la faillite, elle se lance à corps perdu dans le business des sauterelles comestibles. Mais peu à peu, ses enfants ne la reconnaissent plus : Virginie semble développer un étrange lien obsessionnel avec ses sauterelles…

Selon Allociné, le type de film classé en drame, épouvante-horreur mais selon les scénaristes c’est un drame familial horrifique ou thriller agricole, thriller rural

Les scénaristes Jérôme Genevray et Franck Victor sont les artisans de l’histoire.

La Nuée est né d’un appel à projets du CNC pour les films de genre. Pour le scénariste Jérôme Genevray, le point de départ a été de raconter une histoire en tant que parent, « à savoir comment arrive-t-on à arbitrer entre notre besoin de travailler pour nous accomplir et l’amour nécessaire et le temps que l’on doit à nos enfants ». La question des sauterelles s’est ajoutée grâce à son partenaire d’écriture Franck Victor, qui est vegan. Ensemble, ils se sont interrogés sur l’alimentation de demain mais aussi sur l’obsession du travail et de la réussite dans notre société.

On pourrait ajouter une seconde question « qu’est-ce qui explique un tel déséquilibre ? » et tenter une réponse « produire moins cher »

Les insectes

  • Avant tout les sauterelles du film ne sont pas de sauterelles mais des criquets migrateurs.
  • 2 milliards de personnes consomment déjà des insectes lors des repas traditionnels aujourd’hui. L’agriculture doit en effet résoudre une équation complexe :
    • produire davantage pour répondre aux besoins de la croissance démographique,
    • produire de manière écoresponsable,
    • lutter contre l’insé­curité alimentaire
    • faire face à l’augmentation du prix des protéines animales.

Les insectes peuvent être une solution.

  • Une sauterelle prise unitairement est plutôt bien acceptée cependant quand elles sont nombreuses, le nombre va créer l’angoisse.
  • Chose rare dans les films français, un personnage numérique existe à part entière, ici il est même protéiforme, c’est la nuée, les effets spéciaux ont nécessité de relever des défis techniques énormes.
  • Pourquoi avoir choisi des sauterelles : « Les sauterelles sont une allégorie, celle de l’addiction au travail ».

On ne peut s’empêcher à des films de référence :

  • Les oiseaux d’Alfred Hitchcock,
  • Les dents de la mer de Steven Spielberg,
  • La mouche de David Cronenberg
  • Take Shelter de Jeff Nichols

Mais également inspiré d’un documentaire sur une agricultrice jusqu’au-boutiste, seule contre tous :

  • Anaïs s’en va-t-en-guerre documentaire de Marion Gervais

Les acteurs

  • Virginie : Suliane Brahim pensionnaire de la comédie française que l’on a vue dans Hors Normes d’Olivier Nakache et Éric Toledano. Elle joue l’inspecteur de l’IGAS. Le choix du réalisateur était de donner le rôle à quelqu’un de peu connu.
  • Karim : Sofian Khammes

Les effets spéciaux : cocorico, on savait que les français étaient reconnus dans ce secteur du cinéma. Les effets spéciaux sont signés Antoine Moulineau qui a longuement travaillé aux États-Unis pour des blockbusters hollywoodiens comme Avatar, The Dark Knight ou encore John Carter, il est le directeur de Digital District.

Le mot du soir qui détendra l’atmosphère : Jiminy

Titane, de Julia Ducourneau

Titane, de Julia Ducourneau

Je suppose que, si vous êtes dans cette salle ce soir, ce n’est pas par hasard; que vous n’avez pas bravé l’orage, et dégainé votre passe sanitaire sans savoir un certain nombre de choses sur le film que vous êtes venu voir, vous vous attendez donc à être dérangés, retournés par cette Palme d’or hors du commun.

Hors du commun à plusieurs titres : 2ème attribuée à une femme (1ère : La leçon de Piano, 1993) ; mais surtout 1ère à être attribuée à un film qui n’a pas peur de choquer, un film qui est à la fois un film d’auteur et un film qui aborde frontalement le sexe, la violence, le fantastique, l’horreur, bref ce qu’on appelle un film « de genre » ; 1ère fois qu’une jeune réalisatrice française enchaîne pour son 1er film (Grave), le grand prix du festival de Gérardmer et pour son 2ème la Palme d’or. On parle d’ailleurs actuellement du renouveau du cinéma de genre en France avec d’autres films sortis cette année : Teddy, des frères Boukherma ou La Nuée de Just Philippot.

Cette expression « film de genre », Julia Ducourneau la revendique à double titre, à la fois dans le sens que je viens d’évoquer, mais aussi parce que c’est une réflexion sur le « genre », elle a voulu brouiller les stéréotypes de genre, sur la féminité et la virilité, à travers les 2 personnages principaux : une femme montrée comme hypersexualisée notamment dans une séquence de salon de l’auto qui n’est qu’un leurre, et un homme montré dans un univers connoté comme masculin, celui d’une caserne de pompiers, univers féminisé par les couleurs, la douceur.

Plus encore que d’un film de genre, on peut parler d’un film mutant : en effet, le film bascule, évolue au cours de l’histoire et change d’orientation, de même les personnages sont des mutants et des personnages dont les corps se métamorphosent: une femme qui a du fer dans la tête, un homme dont le corps est modifié par les stéroïdes. Cet homme est incarné par Vincent Lindon : la réalisatrice a écrit le film en pensant à lui pour ce rôle, il a accepté sans rien savoir du film et a soulevé des poids pendant un an pour modifier son corps, selon la technique de l’actor’s studio. JDucourneau pense que le corps est le 1er outil de l’acteur et que le travail de préparation du corps lui permet d’entrer dans le rôle. Pour le rôle « féminin », elle a tenu en revanche à avoir une actrice assez androgyne mais inconnue, afin que le spectateur n’ait pas de représentation sur elle et  qu’il puisse croire à sa métamorphose. 

C’est un film qui s’appuie sur de très nombreuses références cinématographiques (Cronenberg, Carpenter, et bien d’autres moins évidentes), mais aussi mythologiques (le titre renvoie à la plaque de Titane que le personnage principal a dans le crâne mais aussi aux Titans, à le rencontre entre le métal et le feu, le froid et le chaud..).

Un film noir donc, mais qui ne se veut pas pessimiste : il s’agit selon la réalisatrice avant tout d’un grand film d’amour !

The master

THE MASTER

Paul Thomas ANDERSON

Joaquin PHOENIX

Philip Seymour HOFFMAN

Paul Thomas ANDERSON.

Sa filmographie :

PTA, âgé de 42 ans à la sortie du film, a déjà reçu des récompenses prestigieuses pour ses précédents films :

2000 – Magnolia / Ours d’Or à Berlin, avec déjà PSH

2002 – Punch Drunk Love / prix de la mise en scène à Cannes

2007 – There will be blood avec Daniel Day Lewis – fresque sur un magnat du pétrole au début du 19è siècle – 8 nominations aux Oscars –

Le film

2009 : début du travail sur The Master, sorti en 2012. Projet long à concrétiser en raison de difficultés de financement, d’abandon d’acteurs (Jeremy Renner) et d’ attaques de l’église de Scientologie qui voit des similitudes entre le personnage interprété par PSH et le fondateur de l’église, Ron Hubbard, auteur du livre « la dianétique : la science moderne de la santé mentale » paru en mai 1950.

Présenté en avant première au festival de Venise, le film a remporté le Lion d’argent du meilleur réalisateur, et le prix Volpi a été décerné aux deux interprètes principaux, JPh et PSH.

Paul Thomas ANDERSON dit avoir été inspiré par les romans de John Steinbeck et par les récits de Jason Robards, soldat pendant la Guerre du Pacifique pour la réalisation de ce film.

Raconte le retour à la vie civile d’un ancien combattant de la 2nde GM, Freddie, incarné par J Ph, revenu à moitié fou, obsédé sexuel et gravement alcoolique.

Ce vétéran fait la connaissance d’un étrange individu, Lancaster Dodd, interprété par PhSH, un homme apparemment richissime, qui va le prendre sous son aile.

Progressivement, on découvre que Dodd écrit des livres, et qu’il a fondé un mouvement appelé « La Cause », qui s’apparente à ce que nous appelons en France une secte.

Le film met en scène les relations dominant/dominé entre Dodd et Freddie.

 

On assiste à deux grands numéros d’acteurs, tel que celui de Daniel Day Lewis dans « there will be blood ».

 

Le film évoque des questions psychologiques telles que l’ambiguité, l’inversion possible entre les rôles de dominant/dominé (notamment entre Ph Seymour Hoffamn et son épouse).

 

Le film, tourné en 70 mm (format de Lawrence d’Arabie – Cecil B de Mille) impressionne par sa dimension, la qualité des reconstitutions, les numéros d ‘acteurs.

Par sa perfection, il a suscité des comparaisons avec certains films de Stanley Kubrick ;

D’un autre côté, cette perfection lui confère également un caractère un peu académique, dépourvu de véritable émotion.

A vous de juger.

Bonne projection !

Elle s’en va

Présenté le 24/10/2013 par Philippe MALINGE

Emmanuelle Bercot est actrice, réalisatrice et également scénariste. Elle est notamment la co-scénariste avec Maïwenn dans Polisse.

On la retrouve en tant qu’actrice dans ses propres films, « Clément » par exemple, dans lequel elle joue une 30naire qui tombe amoureuse d’un adolescent.

Emmanuelle Bercot démontre à travers ce film l’admiration qu’elle voue à Catherine Deneuve en tant que femme mais également en tant qu’actrice. Elle a vue des dizaines de fois « le sauvage », « Hôtel des Amériques », « le dernier métro »… Dans son enfance, elle s’imaginait que Catherine Deneuve était sa mère, sa sœur, son amie. Sans y croire Emmanuelle Bercot contacte Catherine Deneuve et lui propose le projet cette dernière est séduite par l’idée.

Emmanuelle Bercot, s’est en partie inspirée du film « Une histoire vraie » de David Lynch dans lequel un vieil homme parcourt plusieurs centaines de km sur son seul moyen de locomotion : une tondeuse à gazon. Elle s’inspire également du film « un monde parfait » de Clint Eastwood qui relate la rencontre d’un adolescent et d’un adulte.

On retrouve Catherine Deneuve dans un genre inédit pour elle : le road movie. On rappelle quelques road movies français (Tandem, Thelma, Louise et Chantal, plus récemment Radiostars).

Elle joue rôle de Bettie, une propriétaire d’un restaurant. Elle part chercher des cigarettes… Lors de ce voyage Bettie rencontre des gens. Emmanuelle Bercot nous invite à découvrir des personnes, des personnages et des personnalités. Ce sont pour la plupart des acteurs non professionnels.

 Distribution :

  • Claude Gensac

  • Mylène Demongeot

  • Camille : choisie pour le rythme d’une conversation téléphonique

  • Hafsia Herzi : Jimmy Riviere, La graine et le mulet, La source des femmes

  • Némo Schiffman : propre fils de Emmanuelle Bercot et du chef opérateur du film.

Tournage : Bretagne (Morbihan) et Izieu et Menthon Saint Bernard (au dessus du lac d’Annecy)

 Sélection officielle du festival du film de Berlin

Musique à remaquer : la chanson «Ma grand mère»

Sur le site Allocine