Quelques mots sur le réalisateur  du film de ce soir: Etienne Comar, diplômé de l’école de cinéma parisienne: la Femis . Nous n’avons pas forcément remarqué son nom aux génériques , cependant  nous verrons  qu’il a participé  à de nombreux films qui nous sont connus.

Il y a quelques années, après la mort de son père, il a rejoint un groupe de rock amateur: il écrit alors les paroles de chansons et les interprète.il dit que  l’expérience libératrice du chant lui a permis de faire son deuil. Et c’est à la suite de cette  découverte émotionnelle qu’il s’est mis à écrire des scénarios  puis à les réaliser.

Il  a commencé à travailler en tant que scénariste et producteur sur plusieurs films de Xavier Beauvois: » Des hommes et des dieux », « La rançon de la gloire », sur le film de Maïwenn « Mon Roi« .il a co-produit « Timbuktu »  de Sissako, « Visages , Villages  » d’Agnès Varda. Puis il  a écrit, réalisé et produit  son 1er film en 2017″:Django » avec Reda  Kateb. La musique se retrouve au coeur de son 2ème long métrage: « A l’ombre des filles « .Ce n’est pas un hasard car la musique tient une grande place dans la vie d’E.Comar

Il écoute souvent du chant lyrique, de la musique baroque, fasciné par les voix de contre-ténor. Et c’est le rôle  d’un contre-ténor de renommée internationale qu’il a  confié à Alex Lutz dans le film de ce soir. Alex Lutz  incarnait  déjà  un chanteur dans le film « Guy ». Etienne Comar  a choisi cet acteur multiple, caméléon, car dit-il « il est capable de se mettre dans un état de grande perméabilité »

Agnès Jaoui, Hafsia Herzi (qu’on a vue  dans « la graine et le mulet« ), Marie Berto … complètent le casting auquel il a ajouté des actrices non-professionnelles. Ce sont les vraies  voix des comédiens  qu’on entend dans les chants, une seule fois,  Alex Lutz a été doublé pour un morceau d’opéra qui nécessitait une technique vocale professionnelle

Sur le plan technique, le réalisateur a filmé en pellicule argentique et non en numérique, en format 1,33, idéal pour les visages en gros plan. Ce cadre  restreint de l’image est conservé tout au long du film… tout un symbole. En effet c’est dans un milieu carcéral féminin qu’Etienne Comar nous entraîne., même s’il se refuse à le mettre en scène. Seul , pour lui , compte ce qui se passe autour du chant, devenu expérience collective dans un univers où l’isolement est pourtant de mise.

Denise Brunet

La réalisatrice de ce film est une jeune femme née le 27 septembre 1985 à Dubrovnik, ville de Croatie située au bord de l’Adriatique et qui vit aujourd’hui à New York. Elle a réalisé en 2017 un 1^er court métrage remarqué et primé dans de nbx festivals : Into the blue. Il s’agit de son 1^er long métrage, qui a pu voir le jour grâce à différents soutiens , il a notamment été coproduit par M Scorsese.

Son lieu de naissance et le titre de ses 2 films (Into the blue, Murina = murène) nous donnent une indication sur le cadre du film de ce soir. En effet, la mer est une inspiration profonde pour la cinéaste qui passait toutes ses vacances de petite fille sur l’île où habitait sa grand-mère. Elle met en scène une île au large de la Croatie, une île qu’elle ne veut pas filmer comme une carte postale, non pas pour sa beauté mais pour les émotions qu’elle permet d’exprimer. Ainsi, le film n’a pas été tourné sur une seule île mais sur 3 différentes, notamment pour obtenir un paysage dénué d’arbres. Le lieu est beau mais pas confortable, sans ombre pour se cacher ; seule la mer offre alors des refuges, mais qui peuvent aussi être des pièges.

Le sujet de ce film se trouve déjà en germe dans son précédent court métrage et elle en parle ainsi : « Il était important, pour moi, de raconter l’histoire de ces deux générations de femmes piégées dans le machisme et la violence, ce que beaucoup d’entre nous appellent la « mentalité croate ».

L’actrice principale accompagne la réalisatrice depuis ses études de cinéma et elles ont travaillé ensemble pendant 4 ans pour préparer le rôle. Elle est entourée d’acteurs qui ont été choisis pour la soutenir dans ce rôle, dont une star : Cliff Curtis, néo-zélandais qui a tourné dans de nombreux films américains connus (Training day, En eaux troubles…)

Beaucoup de 1^er longs métrages ces temps-ci (Hit the road,Lla colline où rugissent les lionnes…) . Bonne découverte et bonne soirée !

LA COLLINE OU RUGISSENT LES LIONNES, de Luana BAJRAMI

Luana BAJRAMI est née au Kosovo en 2001. Elle a 7 ans quand ses parents s’installent en France, et 10 ans quand son père l’amène au cinéma pour la première fois. Elle nous raconte « j’étais fascinée, et je déclare à ma mère que je serai actrice et que je ferai des films, et rien d’autre ». Sa mère, très à l’écoute de sa fille, lui achète un camescope rose, l’inscrit à des cours de théâtre et à des castings où l’on s’arrache cette belle petite fille aux grands yeux si expressifs et aux longs cheveux bruns. Et dès lors, elle joue avec les plus grands acteurs, et pour les plus grands réalisateurs. Pour vous la situer je rappellerai au hasard quelques titres de son importante filmographie très variée : Elle joue dans « Ibrahim » d’Abdel Bendaher, avec Laurent Lafitte dans « l’heure de la sortie », une servante enceinte dans «  le portrait d’une jeune fille en feu » de Céline Sciamma.

A 17 ans elle passe son bac avec mention très bien et n’a pas 20 ans lorsqu’elle tourne le film que vous découvrez ce soir et qui d’emblée est présenté en 2021 au festival de Cannes dans la sélection La quinzaine des Réalisateurs.

Son film est à la fois une ode à la jeunesse et un hommage vibrant et sensuel au Kosovo, à son village de Pleshina où elle revient chaque année retrouver sa cousine et ses amies d’enfance. Et elle est frappée par le fossé entre la prison de carcans sociaux dans laquelle sont enfermées ses amies, et la liberté dont elle jouit en France. Son film exalte le courage et la détermination de ses amies, et elle se demande si elle est légitime pour être leur porte-parole…

Peut être sentirez vous comme un parfum des films de Sofia Coppola ou de « Mustang » de Deniz Ergüven ?

Et vous allez admirer de magnifiques comédiennes, filmées parfois caméra à l’épaule par une réalisatrice très jeune certes, mais qui sait déjà fort bien choisir ses cadrages.

Marion Magnard

Hit the road, de Panah Panahi

J’ai le plaisir de vous inviter à assister ce soir à la naissance d’un cinéaste. Certes son patronyme est déjà très connu, puisque son père Jafar Panahi est un célèbre réalisateur faisant partie de la Nouvelle Vague iranienne, dont vous avez probablement vus Trois visages, Taxi Téhéran ou Hors jeu.

Mais c’est du fils qu’il est question ce soir, Panah Panahi. Vous imaginez bien qu’il est tombé dans le cinéma quand il était tout petit et qu’il assisté aux tournages de son père, il a ensuite fait des études de cinéma et a toujours bénéficié du soutien et des conseils de son père. Mais ce film lui a déjà permis de se faire un prénom. Présenté à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes en 2021, il a été très remarqué. Il en a lui-même écrit le scénario en s’inspirant de l’expérience d’un de ses amis. En effet, le film s’apparente à un road movie familial mais on sent très vite que le voyage en question n’est pas un simple départ en vacances. Néanmoins je n’en dirai pas plus sur le sujet que vous allez découvrir par vous-mêmes.

Quelques mots sur la musique : les chansons que vous entendrez dans le film sont des tubes avec lesquels les Iraniens ont grandi avant la révolution islamique de 1979, chansons interdites aujourd’hui par le régime en place.

Quant aux acteurs : ceux qui interprètent les parents sont des acteurs de théâtre à qui le huis clos dans la voiture convient très bien. L’enfant âgé de 6 ans au moment du film, avait déjà tourné dans une série à succès, et vous devinerez en le voyant qu’il a fallu beaucoup d’énergie pour le diriger.

Un film qui alterne entre tendresse et agacement, cadres étroits et paysages grandioses, conte et drame, humour et mélancolie mais qui dégage toujours une impression d’authenticité.

Nightmare alley

Les hasards de la programmation de TEM, d’une semaine à l’autre, nous emmènent parfois dans des univers cinématographiques totalement opposés, ou d’autres fois nous plongent dans des mondes qui se ressemblent, parce que le cinéma capte aussi l’air du temps et que les films qui sortent au même moment parfois se télescopent. Ainsi : aucun lien entre les bergers islandais d’il y a 15 jours et le tortionnaire d’Abou Grahib rencontré chez Paul Schrader. Et pas de rapport non plus entre ce tortionnaire mutique et maniaque et les bonimenteurs de ce soir. Et pourtant, 2 points communs au moins entre le film de ce soir et celui de la semaine dernière : un objet, ?, le détecteur de mensonge ; un acteur, ? , Willem Dafoe.

Après un film empreint d’une certaine naïveté, La forme de l’eau, Guillermo del Toro nous revient avec un hommage au film noir dont tous les critiques saluent la grande élégance visuelle. On y retrouve tous les éléments du genre : les jeux d’ombre et de lumière la manipulation, la trahison, le suspense, la femme fatale, les méandres de la nature humaine… Son précédent film présentait un monstre physique, celui-ci met en scène des monstres moraux.

Le film est l’adaptation d’un roman de 1946, Nightmare Alley (Le charlatan dans la traduction française), déjà adapté en 1947. Il est composé de 2 parties, la première, située dans le monde forain des années 30, peut rappeler le célèbre film de Tod Browning, Freaks. La 2^ème, située dans le New York art déco de la haute bourgeoisie, idéal auquel aspire le personnage, évolue plus précisément vers le film noir.

Du côté du casting, le personnage principal, escroc discret mais ambitieux, est campé par Bradley Cooper, qui arbore une moustache à la Eroll Flynn dans la 2^ème partie du film. On retrouve Cate Blanchett et Roney Mara, qui avaient joué ensemble dans le film de Tod Haynes, Carol. Mais on croise également Ron Perlman, Willem Dafoe, Toni Collette…

Profitez pleinement de la beauté visuelle de ce film dans lequel on peut contempler chaque plan comme on admire un tableau, tout en s’interrogeant sur la noirceur de l’âme humaine. Des films comme celui-ci, nous rappellent que le cinéma, avec un grand C, mérite bien le qualificatif de 7^ème art.

The Card Counter, de Paul Schrader –   24 février 2022 –

Présentation de Marion Magnard

Paul Schrader est né en 1946 aux USA, dans le Michigan. La sévérité extrême de son éducation calviniste marquera profondément sa vie et son œuvre.

Ses parents prohibant la fréquentation des salles de cinéma, ce n’est qu’à 18 ans qu’il ose braver l’interdit. Son premier contact se trouve être un dessin animé et le film suivant lui procure une impression de malaise devant la violence des images qu’il découvre. Malgré ces débuts décevants, Paul décide de devenir critique de cinéma. Ses Maîtres (il n’a pas choisi les plus joyeux ) sont Ozu, Dreyer et surtout le français Robert Bresson. Ce n’est pas par hasard que vous verrez dans le film de ce soir un plan des doigts du joueur de poker rappelant le même plan du « Pickpocket » de Bresson.

Paul Schrader entame ensuite une brillante carrière de scénariste avec les plus grands cinéastes, il est notamment le scénariste de « Taxi Driver » de Martin Scorsese, dont il restera le scénariste favori, et qui dira de lui qu’il était en fait le coréalisateur de Taxi Driver.

A partir de 1978, Paul Schrader se lance dans la réalisation et ses films, comme American gigolo, la Féline, Mishima, …oscillent entre rigorisme moral et fascination pour les interdits.

Dans The Card Counter, vous allez admirer ses délicats mouvements de caméra, ses effets de ralenti, notamment lorsqu’il veut retenir l’attention du spectateur. Et vous allez apprécier l’association de la musique de Robert Levon Beam et de sonorités diffuses, souffles, échos et respirations.

Le joueur de poker, William Tell, lourd de son passé, est interprété magistralement par l’acteur guatémaltèque Oscar Isaac.

Quant au jeune Tye Sheridan, qui joue Cirk, vous l’avez découvert à 12 ans aux côtés de Brad Pitt dans The Tree of Life de Terrence Mallik, et en 2013, vous l’avez revu dans l’excellent Mud de Jeff Nichols, il jouait un des adolescents découvrant une barque dans les branches d’un arbre sur une ile du Mississipi.

Dans The Card Counter, la mauvaise conscience d’un homme fait écho à celle d’un pays traumatisé par ses guerres. Mais vous allez connaitre aussi un moment de poésie lorsque William Tell et La Linda se promènent la main dans la main dans le parc d’attractions inondé d’incroyables couleurs.

Pour la petite histoire, je précise que Tiffany Haddish, qui joue La Linda, vient d’avoir six mois de retrait de permis de conduire pour s’être endormie au volant en pleine ville et avoir insulté le policier qui l’avait réveillée pour la verbaliser.

Ce soir nous vous présentons un film atypique sur les jeunes de banlieue. Le réalisateur  Yohan Manca ne souhaitait pas une approche documentaire. « Je veux montrer , dit-il,  ce qu’il y a de beau et de romanesque dans les quartiers populaires. » On n’entendra pas de rap mais des airs d’opéra de Verdi , de Donizetti et la très belle musique composée pour le film par le Libanais Bachar Mar-Khalife.

Après seulement 3 courts-métrages, Yohan Manca, qui est aussi comédien et metteur en scène de théâtre, réalise son 1er long métrage,  choisi au festival de Cannes de l’an dernier dans la catégorie « Un certain regard ». Il l’a tourné en 16mm; il n’a pas voulu utiliser le numérique, la pellicule contribuant à restituer un point de vue doux et poétique.

Yohan Manca n’a pas fréquenté d’école de cinéma, il a gardé en tête les mots de :  » pour apprendre à faire du cinéma regardez les films » . Suivant ces conseils , il est allé admirer les films de Fellini, de Scola. Ses  sources d’inspiration se situent dans les banlieues  italiennes  des années 60-70. Sa référence à la comédie italienne est évidente. Il a arrêté l’école assez tôt, mais n’a pas oublié le professeur de français qui lui a fait  découvrir le théâtre à 14 ans. « Ce professeur a changé ma vie dit-il ». Pour ce 1er film, son souhait est de  concentrer toute  l’attention du spectateur sur « l’art qui sauve dit-il, sur l’art  qui peut pulvériser les frontières ». Il choisit l’opéra, considéré, à tort , comme élitiste mais qui compte de nombreux amateurs dans les milieux populaires  surtout si les racines familiales sont italiennes. D’origine  espagnole par sa mère, italienne par son père, le réalisateur a vécu dans une famille  où la musique avait toute sa place , mais dit-il , les disputes aussi. Il ignore ce qu’est une fratrie unie comme dans son film; il  n’a que  des demi-frères.

« Mes frères et moi » est une libre adaptation de la pièce de théâtre » Pourquoi mes frères et moi on est parti » de Hédi Tillette de Clermont- Tonnerre. Yohan Manca avait eu l’occasion de monter et de  jouer cette pièce. Toutefois le film est très éloigné de la pièce.  Il s’apparente à un album de souvenirs qui distille un sentiment de nostalgie. Les images d’un chez-soi immuable bien que lieu de passage, alternent avec les escapades du jeune Nour  et de ses frères.

Nour est  interprété par Maël Rouin-Berrandou, il a déjà joué dans  des téléfilms. Pour  ce film, avant le tournage,  il a pris des  cours  avec un professeur de chant lyrique de manière assez intensive. Parmi les frères   on remarquera Sofian Khammes, ami d’enfance du réalisateur. Jusque là on lui avait surtout proposé des rôles de délinquants. Enfin dans le casting  n’oublions pas la talentueuse Judith Chemla qui représente la main tendue dont on a besoin  dans ces quartiers. Pour la petite histoire Judith a été la compagne du réalisateur. Il  l’avait connue , lorsque , chanteuse lyrique, elle interprétait « La Traviata » au théâtre des Bouffes du Nord. Puis en 2007 elle est entrée à la Comédie française et depuis elle continue une carrière à la fois au théâtre et à l’opéra.

Ce film  est d’une grande sincérité dans son propos, pétri de bons sentiments…  touchants,  et il envoie un message positif sur le thème  des quartiers défavorisés.

Denise Brunet